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Pedro Manterola director del Museo Oteiza: “Jorge Oteiza era pura desmesura. Era todo y no era nada”
Sumario
- Es un hombre que vuelve a poner sobre la mesa uno de los problemas más permanentes de la historia del arte, el del conflicto entre materia y espíritu, entre cuerpo y alma.
-Cuando consideró haber recorrido toda la historia de la escultura se sentía con fuerzas para decir que la escultura era él, ya que al menos, su espíritu la contenía dentro de sí.

Alzuza es un pequeño y acogedor municipio de Navarra. Esta situado en lo alto de una colina que permite contemplar unas estupendas vistas del verde paisaje que queda ante sus pies, paisaje que el escultor Jorge Oteiza contempló durante décadas, tantas veces como días vivió en este lugar. Ahora en uno de los puntos más altos del municipio junto a lo que fue la casa-taller del escultor se encuentra el “Museo Oteiza” cuyo edificio vanguardista fue diseñado por Sáinz de Oiza, un gran amigo del escultor, que se ha convertido en el emblema del municipio. Desde 2003 el museo atrae cada año a miles de visitantes que se acercan hasta este tranquilo lugar en el que Oteiza, su más ilustre residente, vivió, pensó y esculpió hasta su muerte y al que decidió dejar parte de su patrimonio como símbolo de gratitud por acompañarle en su incesante camino hacia la espiritualidad, en ese empedrado ascenso ascético que intentaba lograr a través del arte.
En una de las estancias del museo se encuentra el despacho de Pedro Manterola, director del mismo y reconocido experto en la obra de Oteiza. A este despacho que conjuga armoniosamente en su decoración la fortaleza del arte tradicional con el dinamismo del arte moderno, acude todas las mañanas este hombre de aspecto sencillo que desprende sin pretenderlo admiración y respeto. Su carrera ha sido y es, pese a su jubilación, meritoria; tras ser profesor de Historia del Arte de la UPV (Universidad del País Vasco) fue nombrado en los años ochenta Decano de la Facultad de Bellas Artes de esta misma universidad, a principios de los noventa ocupó el cargo de asesor de Cultura del Gobierno de Navarra y ahora además de la dirección del museo, es también el director de la Cátedra “Jorge Oteiza” de la Universidad Pública de Navarra. Sin embargo, con una voz que desvela su más de media vida dedicada a la enseñanza universitaria, explica, como si fuese la primera vez, la obra y personalidad de tan irrepetible como pintoresco escultor:”Jorge Oteiza era pura desmesura, era un hombre exageradísimo. Era todo y no era nada”

P- Gran parte de su vida profesional ha girado en torno a este gran escultor ¿Qué le hizo acercarse a la obra de Oteiza?
R- En primer inicio lo hice porque era necesario para mi oficio. Yo era profesor de Historia del Arte en la Universidad del País Vasco y era muy difícil estar en este país y ser profesor de Historia del Arte sin que Oteiza te interesara, por aquel entonces era una figura de referencia para todo el mundo. Además, allá por los años 60 lo conocí, era un seductor, un personaje que impresionaba mucho y obviamente eso me hizo acercarme más a su obra. A partir de ahí, se inició una relación personal que se superponía a la profesional.

P- ¿Qué es lo que más le impresionaba de él?
R- Era un hombre con un talento artístico extraordinario. Pero además, tenía un perfil muy particular, por un lado poseía el carácter de los artistas románticos del S XIX. Era pura desmesura, era un hombre exageradísimo: enorme y pequeñísimo, generosísimo y miserable, se entusiasmaba con cualquier cosa o se ponía tristísimo y lloraba. Era todo al mismo tiempo. Era todo y no era nada. Por otro lado, estaba muy preocupado por los elementos metafísicos y las circunstancias de la existencia: la muerte, Dios. Las grandes preguntas sin respuesta que tantas veces se habían hecho los románticos. Tenía unas ideas brillantísimas gracias a su extraordinaria intuición. Todo ello dibujaba un personaje insólito con unas características muy poco corrientes. De manera que era muy fácil que una persona joven como yo era entonces, se quedase completamente impresionada ante un personaje así. Eso fue lo que inicialmente me cautivó, pero ese tipo de admiración fue más efímera. La fascinación que realmente ha perdurado a lo largo de mi vida se dirige hacía los aspectos artísticos de la figura de Oteiza, al valor de su obra y a su intuición artística.

P-Hable de su obra…
R-Diría que es un hombre que vuelve a poner sobre la mesa uno de los problemas más permanentes de la historia del arte, el del conflicto entre materia y espíritu, entre cuerpo y alma, luz y oscuridad, interior y exterior. Sabemos que este tipo de problemas cualquiera se los puede plantear, pero en el tiempo en que vivió esas cuestiones ya no se las planteaba nadie, Oteiza nos recordó que todavía estaban ahí. El les daba forma a través de la escultura, ofrecía una respuesta a esas preguntas. Y eso es lo que dotaba a su obra de un valor especial. Además les daba forma a través de una escultura que formalmente era de vanguardia. Asociaba todo, los problemas tradicionales permanentes de la historia del arte, del espíritu humano, de la conciencia, con una perfecta localización temporal. El arte de las vanguardias, el arte abstracto. Todo esto hace a Oteiza una figura valiosísima.

P- A medida que pasa el tiempo la obra de Oteiza va adquiriendo más prestigio internacional. Hace unos días se inaguró en Madrid una exposición sobre Oteiza en la galería Malborough. Usted en un escueto comunicado declaró: “ La presente exposición perjudica el reconocimiento alcanzado por la obra de Jorge Oteiza y acentúa la confusión que su obra escultórica viene padeciendo en los últimos años."¿Por qué hizo tales afirmaciones?
R. Esta historia se remonta al año 2000, Oteiza con 92 años firmó un papel en el que autorizaba a un personaje (al que prefiero no nombrar) a realizar reproducciones de su obra. Pero con el amparo legal de su firma, se comenzaron a cometer arbitrariedades infinitas desde punto de vista artístico, como cambiar el formato de algunas obras, los tamaños, otras se presentaban como originales cuando eran tan sólo reproducciones. En Malborough se presentaron algunas de estas piezas, concretamente dos reproducciones que se hicieron después de su muerte. Aquí, en el museo, se produjo mucho revuelo. Yo preferí mantenerme al margen, pero después de recibir tantas llamadas decidí hacer ese escueto comunicado. No quería crear polémica pero consideraba que era necesario. Sin entrar en el derecho legal de esas obras juzgándo el hecho desde lo estrictamente artístico me parecía muy triste que este tipo de cosas nadie las supiese porque es una pena que no sepamos custodiar un patrimonio como el que tenemos.

P- Se sabe que en vida tampoco tuvo afinidad con pinacotecas y galeristas. Su relación más sonada fue con el Museo Guggenheim, al que siempre demostró su rechazo, declarándo que nunca expondría allí. Finalmente, poco antes de morir aceptó que su primera gran antología fuese en este museo ¿Por qué Oteiza cambió de opinión ?
R- Al principio, no sólo no quería exponer allí sino que maldecía a este museo 1continuamente. Escribía artículos periodísticos proclamando que el Guggenheim había acabado con su proyecto de crear el Gran Museo de Arte Vasco, anunciaba sin pudor que todos eran unos vendidos y canallas. Pero se dio cuenta de que el museo funcionaba, que se había convertido en un valor importante y que a pesar de su rechazo aún así seguía habíendo obras suyas compradas por el museo a coleccionistas. Cambió de actitud aunque sólo fuese en favor del interés público que sus obras poseían. Influyó también en su decisión la presión recibida por parte de otros artistas y de los medios. Otieza cedió y el Guggenheim le montó una exposición estupenda, la muestra biográfica más grande que se ha hecho de él hasta la creacción de su museo. Realmente nunca se supo si había cambiado su opinión sobre el Guggenheim, de Jorge nunca se podía saber lo que pensaba verdaderamente.

P- ¿Qué ve un aficionado cuando se acerca a un museo y contempla una obra de Oteiza?
R- No sé… me cuesta mucho desprenderme de lo que ya conozco pero supongo que a primera vista no gustará demasiado. Un observador novel sentirá el vacío, verá poco material, algunas formas y muchas geometría. Pensará por qué ese hombre es tan famoso. Es un tipo de escultura distinta a la tradicional que requiere comprensión previa. Oteiza no trabaja sobre el material sino sobre el espacio, aunque bien es cierto que estas consideraciones variarán mucho dependiendo de qué época estemos considerando. El decía que sólo había una escultura y un escultor y por eso tenía que atravesar en su carrera todas las épocas de la historia del arte, cosa que cumplió. Esculpió desde obras con la robustez y formas típicas de la prehistoria hasta ese vacío que buscaba en su época madura propio del arte de vanguardia. Cuando consideró haber recorrido toda la historia de la escultura se sentía con fuerzas para decir que la escultura era él, ya que al menos, su espíritu ya la contenía dentro de sí.

P- Para Oteiza llegar a la representación del vacío fue muy importante, ¿qué significaba este elemento metafísico en su escultura ?
R-El vacío en la obra de Oteiza representa el depósito de la memoria, de la conciencia y de todo lo que en el espíritu existe, hasta incluso un trocito de cielo. A través de ese espacio vacío intentaba lograr en su escultura un desprendimiento total de la materia que llegase a representar el espíritu puro. Si lograba el vacío, la obra alcanzaba su próposito último la sacralidad. La escultura para Oteiza era un servicio metafísco que permitía al hombre alcanzar la eternidad

Hay artistas que bordan el lienzo con su pincel, que representan la realidad con un perfeccionismo increíble que llega a resultar inquietante. Ponen ante nosotros la realidad exacta, la realidad que capta una pupila examinadora y exhaustiva: cada arruga, cada pliegue, cada friso o cuadro aparece plasmado en sus cuadros aunque aparentemente estos detalles carezcan de importancia alguna para el tema tratado. Otros pintores, en cambio, desdeñan ese tipo de plasmación o al menos prefieren orientar su obra hacia otras lindes. La realidad objetiva poco les interesa, les parece pobre, insulsa hasta incluso aburrida. ¿Quizá fea?En cambio, exploran en sus emociones, en lo que tal o cual objeto les sugiere, en lo que de esa mujer desprende con sólo mirar.
Este es el caso del desdichado Modigliani, pintor italino-judio que vivió durante la época gloriosa del París de principios de siglo. Mont-matre y el Barrio Latino eran los lugares donde se le podía encontrar con aristas tan conocidos como Picasso, Diego RIvera, Soutin...
Además de por su desdichada vida, modela por Modigliani de una manera ruinosa segundo a segundo, es famoso por sus mujeres, por sus lienzos de enigmáticas mujeres desnudas. Mujeres que parecían salirse del cuadro y de la realidad para volar por el fántastico universo espiritual de Modi. Aunque algunas en apariencia portasen magníficos vestidos Amadeo lograba desnudarlas dejando al descubierto aunque no su cuerpo, sí lo más preciado, su alma. No me gusta ser exagerada nio inventarme cosas bonitas sin ton ni son, pero no se cómo explicar lo que este magnífico pintor me sugiere. Por ello simplemente he intentado describir más o menos el sentimiento que experimento cuando contemplo uno de sus cuadros.

Con motivo de la aparición de la película "Modigliani" protagonizada por Andy García he decidido buscar en Wikipedia información sobre este magnífico pintor.

He buscado información en español, en francés, en alemán y en gallego. La biografía más completa se puede econtrar en las dos primeras, en alemán aunque la información es más escasa posee más enlaces externos. En gallego le información que existe se reduce a cuatro líneas.

No he encontrado ninguna zona de discusión al respecto en los idiomas antes citados. Tampoco plantillas de mantenimiento.

Respecto al historial de la versión española la última actualización al respecto es bastante actual del 28 de Noviembre de 2006 aunque desde el 15 de marzo de 2005 tampoco ha cambiado mucho. Antes de esa fecha la inforamción era muy escasa.

Incluiría de enlaces internos:
A Picasso dada la complicada relación que tuvo con el pintor.
El enlace que indica de vanquardias ya que este pintor esta dentro de esta rica corriene cultural
Y con Juan Gris ya que ambos pintores tuvieron una intensa amistad

Enlaces externos
Con Art Galery en cuya página web se pueden comtemplar numerosos cuadros de ese autor
Es interesante también conocer a la amante fidelísma de Modigliani Jeanne Héburterne con quien el afamado pintor tuvo una hija.
Para saber más acerca de la película
En la enciclopedia Britanicca no he encontrado no más de 20 líneas y en la Encarta no he podido acceder puesto que es únicamente para suscriptores.
Beatriz Martínez

Cuando en conversaciones entre amigos sale a relucir nuestra infancia cada uno habla de lo que más le ha marcado en la vida. Aquello que por considerarlo importante, recuerda. Todos nos emocionamos y contamos a modo hazañas cómo éramos y qué hacíamos. La conversación fluye durante un rato sin tregua, nuestros sueños e ilusiones florecen de nuevo.

Cuando recuerdo mi pasado me imagino como una niña inquieta, despierta y activa. Escondiéndome en un arbusto, corriendo tras un pueril niño que se enfadaba porque le alcanzaba; llorando porque no tenía hermanos mayores que me defendieran como mi amiga Leti que sí los tenía, riendo con los mismos que me habían hecho llorar, soñando con ser mamá o vendedora, recreando mi imaginación y haciéndola realidad a la vez, con piedras, arena o papel. Me imagino junto a otros y lo más importante junto a otros semejantes a mí.

Otros de mis amigos, en cambio, hablan casi con lágrimas en los ojos de las míticas series de televisión. Hacen memoria de cada personaje y cada escena, como si ellos estuviesen allí, presentes en un mundo que no era el suyo, siendo hijos predilectos de una dimensión virtual. Hablan exaltados de los juegos de la Nintendo o la Game Gear. Rememoran sus momentos Game Boy como lo mejores, equiparados a los pasados con un buen amigo de la infancia. Se recuerdan solos, junto con sus cosas.

Por un momento me siento desplazada sin saber que decir, intentando no mostrarme ridícula e ignorante ante tanto conocimiento adquirido durante años. Yo no recuerdo más que cuatro series con alguno de sus protagonistas, nada de Nintendo, Game Boy ni tan siquiera grandes colecciones de muñecas. Por un momento dudo de la calidad de mi infancia. Pero de repente imagino a un ser insignificante e ingenuo, sentado delante de un televisor durante horas, sin moverse, absorto ante una eclosión de imágenes, sin hablar…o a otra criatura pulsando exaltada las materiales teclas de una máquina cualquiera, creada por adultos; mientras va al colegio, en el recreo o en su hora de la merienda. Abducido por la pantalla, por su pantalla, sin mirar al mundo del que tanto desconoce, encerrado en un universo sólo suyo. Me apeno y caigo en la cuenta de lo afortunada que he sido. Mientras yo compartía mi tiempo con personas otros muchos niños consumían su infancia relacionándose con objetos. Sólo suyos. ¿No es esta la expresión más infame del individualismo ponderante en nuestra época? ¿No es quizá esa la peor desgracia en la que puede caer el hombre? La de estar destinado a la soledad desde los la niñez.

Aunque parezcan minucias o detalles triviales de la biografía de cada uno, la relación que hayan adquirido los infantes con sus iguales será la que mostraran el resto durante el resto de sus vidas: consigo mismos, con sus amigos, con sus hijos, con sus vecinos y compañeros de trabajo, en su matrimonio…

Los hombres actuales y de una manera más llamativa y alarmante los niños han pasado de entenderse como integrantes de una comunidad a considerarse como un seres sólitarios, independientes del mundo y rodeados de otros sólo accidentalmente. El niño postmoderno (puestos a clasificarlo dentro de un grupo distinto) ya no siente la necesidad de cumplir sus expectativas junto con otros. Sus ganas de jugar, de conocer o reír se satisfacen, en muchos casos, a través de un mundo irreal, virtual o en su defecto por un universo televisivo sin valores, creado por grupos empresariales, por factorías de morbo sin escrúpulos.

La necesidad infantil de humanidad, por descuido o comodidad, se suple con una buena dosis de materialismo. El niño postmoderno conoce al dedillo el uso y función de cientos de aparatos electrónicos que por desgracia le hacen creer en una falsa autonomía con respecto a sus semejantes. Y que, en cambio, revela una esclavitud hacia las cosas.

Sólo es necesario poseer (palabra clave en el individualismo) para tener diversión. Sin salir de casa, sin necesitar a otro, se puede encontrar la satisfacción que se busca. Los niños, que tienden a escoger lo más cómodo y placentero posible, prefieren quedarse solos, acompañados de mundos estimulantes donde casi siempre se puede lograr lo que uno quiere sin demasiado esfuerzo a salir y enfrentase con las dificultades que las mismas relaciones interpersonales generan. En ellos, también, se les acerca a cosmos fantásticos con tanto detalle que la realidad acaba pareciendo pobre, insulsa, aburrida. En otros casos, miles de historias se pasan ante los ojos de críos ensimismados de las nunca llegan a ser participes. Facilitando la formación de seres pasivos, sin iniciativa propia. Estos niños acaban siendo felices viendo pasar la vida sin haber aportado nada en ella.

Por el contrario, la gran mayoría desconocen las normas de sociabilidad o la importancia de la generosidad y la entrega en la amistad. La dificultad que supone ser junto a otros, que nadie puede ser sustituido por nada ni tan siquiera por nadie. Les cuesta entender que a las personas no se las puede suplir y, en el peor de los casos, olvidan que los otros no son meros instrumentos para su generadores de placer.

Replanteando el individualismo desde estos pequeños detalles, desde la infancia y sus comportamientos tan insignificantes en apariencia, podemos entender un poquito mejor los problemas que afectan a la juventud actual. Resulta más fácil deducir de dónde vienen y hacia donde irán (si no están yendo ya) las futuras generaciones. Entender la apatía, la desilusión constante en la que viven muchos jóvenes, el aburrimiento vital, la frustración de seres con una vida todavía sin hacer, el aumento de depresiones en niños y jóvenes. El incremento de los suicidios de menores. Son más fáciles de entender cosas tan desesperanzadoras como estas porque cuando el hombre deja de entenderse como lo que es para entenderse cómo lo que no le gusta ser, un principito solitario, nadie queda a salvo.

Vivimos en la era de la comunicación, en dónde trillones de datos pululan a sus anchas por periódicos, libros, revistas,radios, televisiones internet... Este momento histórico no es fruto de la pura casualidad, nuestras posibilidades de acceder a la información deseada de una forma rápida y libre han aumentado en ocasiones desconsiderablemente gracias a internet y más concretamente a buscadores como Google.

Google, lider mundial en este tipo de servicios, fue creado como un instrumento de búsqueda, como un modo de obtener de una forma organizada la superabundancia de información que estaba disponible en la red. Hasta entonces la red era un instrumento complejo sólo accesible para los más lustrados. A partir de 1998 google nos empezó a organizar la información ya dada por los distintos medios comunicativos (internet). Desde entonces este buscador comenzó a poder ser considerado de una manera amplia como un medio de comunicación.

Accedíamos a él gracias a Internet (que es considerado como un medio de comunicación), nos ofrecía una información y la seleccionaba por orden de relevancia como pueden hacer los periódicos o radios (aunque de una manera matemática). La diferencia versaba en que propiamente no no creaba la información, únicamente ofrecía una forma de obtener la ya existente, tampoco marcaba unas pautas informativas ni se orientaba desde la misma empresa la creacción de unos contenidos informativos. Simplemente nos recordaba lo ya existente, por ello no era en el sentido más tradicional un medio de comunicación.

En cambio, desde que Google ha ampliado sus aplicaciones, en mi opinión, ha empezado a seguir los patrones de un medio de comunicación más. Aunque sigue en su línea de ofrecer la información creada por otros de un modo organizado, ya existen creaciones informativas propias como Google News o que permiten a usuarios independientes expresar sus opiniones gracias a google como es blogger. Otras de sus aplicaciones cómo el de hacer rankings de las palabras más búscadas, según países, aunque sean estadísiticas sobre la red, es información que se ha decidido desde la misma dirección trasmitir o no trasmitir,corresponiéndo con el modo de actuación de los agentes informativos.

Aunque es díficil delimitar que es un medio de comunicación y aunque Google sea un caso un poco especial en mi opiión si lo es. Pues tiene todos los componentes para serlo, es medio más que ninguno para obtener la información disponible en el mundo y de comunicación porque permite de un modo rápido una trasmisión de mensajes desde de cualquier parte del globo.

Me gustaría colgar esta entrevista que allá por abril hice al fotógrafo Sergio Caro antes de que ganase el premio Príncipe de Asturias de periodismo. No ha sido publicada en ningún medio por ello me gustaría que alguien pudiese disfrutarla y de paso que juzgase su calidad.

El fotógrafo Sergio Caro ganador del último premio Ortega y Gasset de periodismo

“Una mentira con imágenes es mucho más potente”

Aunque sea un nombre desconocido para muchos, lo más seguro, es que por nuestra retina haya entrado alguna vez una de sus fotografías. Pese a su juventud, Sergio Caro, ha logrado abrirse un prestigioso hueco en el mundo del periodismo visual. Actualmente trabaja para distintos medios. Pero a este sevillano el prestigio parece importarle poco, su preocupación se centra en la de informar. Contar a través de imágenes. Y vaya si lo consigue. En sólo unos días una foto suya circuló por todos los periódicos nacionales: dos subsaharianos esposados, llorando en un autobús custodiado por las autoridades marroquíes con un destino incierto. Esta imagen logró condenar lo que estaba pasando en la frontera hispano-marroquí. Nos alejó de los números, cada día repetidos en los medios sobre los inmigrantes, y a cambio nos puso un rostro, una expresión de desolación y desesperanza de los que intentan saltar esa valla que marca las fronteras entre el tercer mundo y nuestro país. El arrojo con que enfoca su objetivo ha sido recompensado con un prestigioso premio, el Ortega y Gasset al mejor trabajo fotográfico, galardón organizado por el diario El País. Aunque muchos de sus retratos logren captar la profundidad del dolor humano a Sergio le gusta plasmar todo tipo de vivencias, desde el folclore y las costumbres de su Andalucía natal a la vida de los desheredados saharauis.

P- Una buena foto es…
R- Hay buenas sin más y las formidables. Las primeras gozan de una gran calidad gráfica o en su defecto pueden ser muy expresivas, llegan a transmitir mucha información y eso las hace ser buenas. En cambio, una foto fuera de serie ha de cumplir ambas condiciones, comunicar y estar técnicamente bien hecha. Es muy complicado, de 100 fotos que aparecen en los medios igual sólo dos llegan a ser formidables.
P- ¿Tiene alguna de esas?
R- No sabría responder, para mí es muy difícil valorar mis fotos. Me influyen muchos factores externos a la imagen que me hacen ser muy subjetivo. Cuando llega el momento de publicar me resulta bastante complicado escoger cual es la mejor, por eso procuro tener opiniones de otros.
P- El buen profesional trabaja con unos objetivos. ¿Qué busca con sus fotos?
R- Me encantaría que pudiesen tele-transportar al que las observa, llevármelos en mi mochila. Que mis fotos sean algo así como una bola de cristal, desde la cual se pueda captar el ambiente y los pequeños detalles que muy a menudo se descuidan incluso estando en ese lugar. Aunque a veces me conformo con informar.
P- Ojeando su página web dedica gran parte de su contenido a los más desfavorecidos ¿Concibe usted la fotografía como un modo de denuncia?
R- Mi primer objetivo es mostrar la realidad, aunque si sirve para algo, mejor. Intento contar todo tipo de historias, no creo que los toreros a los que fotografío necesiten mis fotos para denunciar nada. Aunque si es cierto que cuando existen graves problemas sientes una necesidad mayor de contar lo que pasa. Pero reitero en la idea de que mi misión es enseñar al mundo no sólo una parte de la realidad. Fotografiar Marbella en profundidad sería una pasada, pero cuando la intentas encuentras demasiadas barreras, pocos ricos quieren contar su verdad. La gente sin posesiones físicas, en cambio, te suelen abrir más las puertas, bueno los que las tienen (sonríe).
P- Como ha insinuado, no todos sus retratados sienten comodidad ante la presencia de su cámara, ¿se siente cómodo tirando una foto en cualquier situación?
R- No, muchas veces te censuras. Hay que valorar cada circunstancia por separado, es muy complicado y todos nos equivocamos. Es necesario explicar la repercusión del acontecimiento al afectado. Que comprenda que informar sobre su situación es importante, aunque sea en un momento doloroso. Lo suelen entender. La prensa del corazón y la amarilla han hecho mucho daño al respecto porque no respetan. No tienen límites.
P-. En nuestra sociedad existe un gusto morboso por el dolor ajeno. La fotografía, por otro lado, es un medio muy directo y adecuado para la expresión de este. ¿No cree que se abusa de ese poder?
R- Hay fotos muy sucias. El dolor hay que enseñarlo, pero a ser posible de una manera digna, sensible y contundente. No es nada fácil. No debemos jugar demasiado con la sugestión, ni buscarla exclusivamente. Pero entorno a esta cuestión hay una doble moral grandísima. ¿Cómo puede ser que no hayamos visto ni a un sólo muerto de las torres gemelas y le tapemos la cara a todos los niños de occidente; mientras que se muestra con total brutalidad y horror a los más desfavorecidos? En occidente si se censura algo es siempre pensando en el espectador, nunca en las víctimas. ¿Qué pasa? Que en el tercer mundo no hay abogados

La valla de Melilla

P- La fotografía por la que le han premiado recientemente refleja el dolor y la desesperanza a la perfección. Dos hombres esposados, son trasladados en un autobús para ser abandonados en el desierto. Usted vivió en directo el conflicto de Melilla. ¿Cómo fueron esos días?
R-- Perdón por la expresión, pero muy jodidos.
P- ¿Podría ser más explícito?
R- Aunque vas allí con la intención de informar, con estas historias acabas indignado y te sientes insignificante. No puedes ayudar a todo el mundo y te frustras. Por eso opto por hacer mi trabajo lo mejor posible. Eso sí, siendo buena persona.
P- Una imagen suya en esos momentos parece que expresó más que mil palabras ¿Cree en el dicho?
R- Me alegro de que mi fotografía haya sido útil. La prensa de vez en cuando sirve para algo. Pero soy de los que opinan que tanto las imágenes como las palabras son débiles por sí solas. Creo que lo importante es la persona que está detrás de las palabras (los periodistas) y de las imágenes (los fotógrafos). Dependemos de su honestidad. La frase: “lo ha dicho la tele” te da una idea de lo ceporros que somos. Nos olvidamos de que no lo dice la tele sino alguien. Y los que quieren mentir se aprovechan porque una mentira con imágenes es mucho más potente.
Beatriz Martínez Gil

Me gustaría escribir sobre el individualismo en el que viven sumidos la mayor parte de las personas de nuestra sociedad. En mi opinión es uno de los problemas más graves a los que se tiene que enfrentar el ser humano hoy por hoy. Dadas las bases de datos que tenía a mi disposición he decidido explorar qué libros podría consultar para posteriores investigaciones.

Por ejemplo en la Biblioteca de la Universidad Complutense. He encontrado dos libros que por su título me podrían interesar.
La era del vacío : ensayos sobre el individualismo contemporáneo / Gilles Lipovetsky ; traducción de Joan Vinyoli y Michèle Pendax
Barcelona : Anagrama, 2003
Vergüenza y soledad : el legado del individualismo / Gordon Wheeler ; prólogo Marta Slemenson ; traducción y edición Francisco Huneeus.
He iniciado una búsqueda con la palabra clave "individualismo" ya que no me interesaba un autor o libro en concreto. Unicamente quería conocer los libros que tendría a su disposición cualquier persona que quisiese informarse sobre el tema. Y a partir de ahí de las casi 200 entradas que me han aparecido he escogido los títulos que mejor parecían adecuarse a lo que yo quiero hablar.
Esta base de datos para encontrar libros está muy bien porque no te pide información excesiva que a lo mejor desconoces.
La depresión es una enfermedad muy ligada a esta visión individualista que el hombre tiene de sí mismo. Por eso me interesaba rastrear en el Instituto Nacional de Estadística para conocer los índices de depresión, según, edad, sexo, sector ecónomico,trabajo. He encontrado cosas interesantes pero me ha parecido un poco complicado.
También me he metido en la Agencia ISBN pero solo teniendo el tema general no he encontrsdo mucho. Aunque es muy útil porque aparece el precio.